表现**音乐的创始人是谁？
今天装修百科网给各位分享表现主义音乐舍弃了哪些的知识，其中也会对表现主义音乐的创始人是谁？(表现主义音乐的代表作曲家是)进行解释，如果能碰巧解决你现在面临的问题，别忘了关注本站，现在我们开始吧！
表现**音乐的创始人是谁？
表现**，是20世纪初兴起于德奥的一种文艺**。表现**认为现实社会充满苦难、丑陋和罪恶，反对印象**的“客观性”和直接描绘客观世界的“所见之物”，主张用主观和畸形手法表现“心灵世界”中“自我的姿态”，将潜伏在内心的下意识冲动的**推向外界。表现**音乐，就像印象**音乐和印象**绘画间的密切关系那样，同表现**绘画相互影响，亲密无间。
表现**音乐，为实现其主张，完全抛弃传统音乐原则，以无调性和无调式的“十二音体系”为主要创作手法。如果把印象**看作帘外观景、雪中赏花的话，表现**则是哈哈镜里显影像。
表现**音乐的创始人是奥地利音乐家阿诺德·勋伯格。他的学生贝尔格和韦伯恩，发挥了十二音体系的写作技巧，比他们的老师走得更远。由于他们主要活动在维也纳，所以表现**音乐也被称为“新维也纳乐派”。
勋伯格是20世纪知名的作曲家、音乐理论家和音乐教育家。他于1847年9月13日出生在一个犹太小商人家庭。他不曾受过正规的音乐教育，仅仅是凭着聪慧过人的天才和毅力而自学成名。勋伯格自幼酷爱音乐，8岁学小提琴，12岁已成提琴能手。后来由于父亲病故，家境贫困，没条件入音乐学院攻读。到20岁，他向波兰籍犹太人音乐家泽林斯基(1872~1942)学了两个多月的复调。从此，掌握了复调音乐技巧，并在奋力拼搏中掌握许多作曲技巧和理论界知识。同时他结识了泽林斯基的妹妹，两人开始相爱。1897年，他的**作《D大调弦乐四重奏》问世，获得好评。1899年，他完成了早期创作的重要作品《升华之夜》。1901年着手创作大型康塔塔《古雷之歌》，第二年因事搁浅，直到1911年方最后完成。1901年与泽林斯基的妹妹玛蒂尔德结婚。同年，到柏林任沃尔泽根剧场乐队任指挥。1902年，获李斯特奖金，在斯特恩音乐学院任教。1903年7月，返回维也纳，在舒瓦兹瓦尔德学院教授和声学、对位法。1904年，发起成立“音乐创作艺术家协会”。1907年热衷于绘画，并于1910年举办了一次个人画展。1911年被聘为皇家音乐学院作曲教师，同年再去柏林，在斯特恩音乐学院召开10次作曲理论讲演会，宣传了勋伯格的全新和声理论。同年《和声学》一书，使他成为作曲理论知名人士。1914年一战爆发，勋伯格参军入伍。战后回到维也纳，致力于教学和举办钢琴音乐会。1923年，勋伯格的爱妻玛蒂尔德逝世，他不胜悲伤。1924年，他去柏林，被聘为艺术学院教师。1925年，与著名小提琴家鲁道夫·柯里什的妹妹结婚。由于纳粹爪牙对进步艺术家，特别是犹太人的**，勋伯格不得不亡命国外。1933年到法国，1934年到美国，定居加利福尼亚，并加入美国籍。1951年7月13日，他病故于洛杉矶，享年77岁。
勋伯格是一个极具独创精神的音乐大师，但他也有着相当深厚的传统音乐根底。他早年曾是瓦格纳的追随者，所以早期作品充满了浪漫的色彩，例如《升华之夜》。1908年以后，是勋伯格创作的第二个时期。他的创作逐渐舍弃了浪漫的语言，展现出自己的独特风格，而趋向于无调性音乐的探讨。他彻底摆脱了传统大小调体系音乐思维的羁绊，投身到了一个没有调性约束的新天地之中。他取消了能够确立调性的7个自然音和5个变化音之间的区别。12个音同等重要，没有一个音能取得中心地位，这就是无调性。当然，这时他的十二音序作曲理论还没有建立，但是相对自由的无调性已能够说明表现**音乐的特征，它成了表现**音乐基本的、不可缺少的表现形式。
在技法上，除了较自由的无调性外，勋伯格还动用了被他称为“音乐旋律”的创作手法，使音乐独具一格。在勋伯格的音乐中，一条“旋律”线由不同的乐器在不同的音交点上演奏，形成音色的8L动闪烁，在这里，和声、旋律和节奏都让位于音色，每一种音色都有繁复而详细的力度标记，令人眼花缭乱。
从音乐内容上看，茫然、失落感、灰色的忧郁等等，是这时期的主要色调。这时期最著名的《月迷彼埃罗》则是一种内心难以言明的复杂而奇异感情的表达。
彼埃罗原来是意大利喜剧中的一个丑角，穿着有皱巴巴的领子和大纽扣的白上衣，宽大的裤子，脸上涂着**，经常在喜剧中作为一个恋爱的失败者和被人取笑的对象。但是这首作品中的彼埃罗却有很大变化，他实际上具有神经错乱的心灵特征。勋伯格把自己想像成彼埃罗，借月光比喻自己的种种形象，犹如一缕月光照进玻璃杯里显现出许多形状和颜色。不过，他不写彼埃罗的有趣奇遇，而幻想出一幅令人毛骨悚然的景象。例如第八首《夜》中，描绘了*森恐怖的团团蝙蝠挡住太阳，给世界罩上愁霾。第十三首《砍头》中，彼埃罗想象自己因为罪行累累而被月光砍头。勋伯格经常采用夸张的图表式形象和语言的曲折起伏来表现内心感受，使作品反映出孤独、痛苦和对生活失去信心，充满了精神上的荒诞。
在勋伯格打破了传统调性进入无调性音乐创作之后，经过相当长一段时期的沉默和探索，于20年代初期，勋伯格终于向世人展示了他的新的作曲理论——十二音序列。一直到晚年，这种创作方法形成了勋伯格创作的第三个时期。
十二音体系的方法是用12个不同的音排列成一个序列作为基础，运用逆行、反行、逆行加反行等技术来发展这个序列，纵横交织，编排成曲。十二音音乐是无调性音乐进一步发展的结果。它可以对大型音乐作品进行结构控制，把乐思有条理地陈述出来，形成新的组织性和逻辑性，以代替传统的调性在作品中所起的组织和控制作用。十二音体系只是音高方面的序列手法，对作品的节奏、力度、音色等没有任何限制。只是到了后来，勋伯格的弟子们才对这些因素加以全面控制。
十二音体系问世不久，便在欧洲引起了截然不同的反响。一些崇拜者把它奉若神灵，亦步亦趋地追随其数学计算般的法则。而一些作曲家则把它视为怪物，难以接受。他们认为序列音乐中听不到熟悉的弦律和民歌，音乐进行的线条往往离奇古怪，设计过程中的“优美”法则在听觉中根本无法辨别，和谐与不和谐的对比被抹平，实际走上了单调。总之，当时的**认为，十二音体系是勋伯格个人头脑中产生的非自然体系，因此是无生命的。尽管如此，十二音体系在后来风靡欧美，追随、效仿者众多，并被认为是“在音乐美学上最理想、最完善、最先进的思维方式”。它对20世纪音乐所产生的影响是不可估量的。
勋伯格创立了十二音序列作曲技术以后，用这种方法写作的主要代表作品有《乐队变奏曲》(1927—1928)、《钢琴协奏曲》(1942)、《一个华沙的幸存者》(1947)等等。在后来的作品中，十二音方法也经常随内容表现的需要而有所突破，并不是墨守成规的。
《一个华沙的幸存者》是勋伯格作品中最激动人心，最具有表现力的作品，作于他一生最后的时日。1947年夏，作曲家在他加利福尼亚宁静的休养地，接见了一位从华沙犹太区侥幸逃出来的人，他是少数几名幸存者之一。因藏身于废墟下的下水道中得以生存。他的口述使勋伯格无比激动，以致于他连续两天奋笔疾书，写下了具有无比力量的惊人之作——《一个华沙的幸存者》。
乐曲一开始，刺透人心的小号声，像鞭子一般地在鞭挞，呈现出已成废墟的犹太区在黎明中的一片污秽、冰冻的景象。男人、女人、孩子、老人，在他们出发走向埋尸坑前，全都集中起来，并大声自行报数。德**官高声怒骂着，指使他的**用*柄殴打、侮辱犹太人。但是，突然地，牺牲者异口同声地唱起了“被遗忘了的古老的信经”——《听罢，以色列人》，比**他们的人更强有力一千倍。因为这种人是不可战胜的，他们以上帝为证，证明他们的存在。在朗诵的全过程中，各种乐器按独奏处理，丰富地发挥了表现**所特有的一切音响效果。在合唱以齐唱形式进入时，这时的固定音型纯粹是十二音的，乐队首次也是惟一的一次应用了全奏——长达20小节，具有激动人心的伟大气概，使人们惊愕得透不过气来，产生了异常激越的效果。
《一个华沙的幸存者》说明了无论什么音乐技术都具有无限的表现力，只要它是出自一位天才创造者的手笔。但是我们也可以进一步这样说，没有其他一种技术能够这样确凿无疑地表现这种非人性的恐怖，在死亡面前痉挛的心态，以及人类面对这种恐怖的不可战胜的伟大心灵。
音乐分为哪几种 各有什么区别
音乐可以分为古典音乐、民间音乐、原生态音乐、现代音乐（包括流行音乐）等。
区别如下：
1、古典音乐依赖于原声乐器，这些乐器发出的声音没有通过电子手段而加以改变，如小号、小提琴和钢琴；流行音乐经常使用电吉他和电贝司、电子合成器和计算机等。民间音乐采用简单乐器演奏，如弦乐器，甚至舞曲曲调与步伐。原生态音乐一般采用本民族的原生态乐器。
2、古典音乐更依赖与事先准备好的乐谱，因此，音乐作品（如一部交响曲）从某种程度上说是一个固定了的实体；流行音乐更多地依赖于口头和听觉传播，每次演出时的乐谱均有所不同，我们很少在流行音乐会上看到演奏者在看谱子。民间音乐和原生态音乐的乐谱还是演奏形式，都有着极强的民族性和地域性。
3、古典音乐主要是器乐音乐，虽然并不完全是这样，它是通过音乐语言和气氛表达含义；大部分流行音乐需通过歌词或抒情诗来表现音乐的内涵。民间音乐和原生态音乐一般与当地的民俗习惯相溶合，与当地的民俗活动相结合。
4、古典音乐在时间上一般都较长，并且包含多种意境，欣赏者必须长时间集中精力；大多数流行音乐在时间长度上相对比较短，平均只有三四分钟，每首作品从开始到结束仅表达一种基调。民间音乐长短不定，视歌曲内容而定。
扩展资料
按旋律风格
（一）古典音乐
"Classic"一词来源于拉丁语，原指罗马社会上等阶层，后转义为人类具有普遍性和永恒性价值的业绩。在国外，这种音乐类型被称之为“classical music”，“classical”有“古典的、正统派的、古典文学的”之意。
所以我们国人将之称为“古典音乐”，确切地说应该是“西洋古典音乐”。首先从概念上解释，“古典音乐”是一种音乐类别的名称。然而即使在国外，对于“classical music”一词的具体意义，也有诸多不同的解释，其中主要异议来自于对“古典音乐”时代划分理念的不同：
1、以超时代的普遍性、永恒性的艺术价值和音乐艺术最高业绩为标准，将那些能作为同时代，后代典范的，具有具有永久艺术价值的音乐统称为“古典音乐”。根据这一标准，古典音乐又被称为“严肃音乐”或“艺术音乐”，用以区分通俗音乐（流行音乐）。
2、特指1750～1820年左右的古典乐派时期。
古典乐派的风格形成于巴洛克时期音乐的逐渐消失之中，消融于浪漫乐派风格的逐渐形成之中，经历了巴洛克音乐向早期古典乐派的过度。众多乐派中，维也纳古典乐派代表人物有：海顿、莫扎特，贝多芬。
（二）流行音乐
流行音乐（pop music）是根据英语popular music翻译过来的。按照汉语词语表面去理解，所谓流行音乐，是指那些结构短小、内容通俗、形式活泼、情感真挚，并被广大群众所喜爱，广泛传唱或欣赏，流行一时的甚至流传后世的器乐曲和歌曲。
这些乐曲和歌曲，植根于大众生活的丰厚土壤之中。因此，又有“大众音乐”之称。但是，这样的界定有可能使那些本不属于流行音乐的音乐如《国际歌》、《义勇军进行曲》、《马赛曲》、《洪湖水浪打浪》、《歌唱祖国》、《东方红》《南泥湾》等，仅仅因为它们也在群众中广泛流传而都可被划归为流行音乐。
另一方面，又把那些分明是流行的音乐，由于它们流传不开（这在流行音乐中也为数不少）而排除在流行音乐之外。显然，流行音乐不一定都流行，流行的音乐也不只是流行音乐。流行音乐准确的概念应为商品音乐，是指以赢利为主要目的而创作的音乐。
它是商业性的音乐消遣娱乐以及与此相关的一切“工业”现象。（见前苏联《音乐百科词典》1990 年版）它的市场性是主要的，艺术性是次要的。
（三）民族音乐
广义指浪漫浪漫**中后期兴起的富有民族色彩的，或是宣扬民族**的乐派。
狭义地讲，指中国民族音乐。
所谓中国民族音乐就是祖祖辈辈生活、繁衍在中国这片土地上的各民族，从古到今在悠久历史文化传统上创造的具有民族特色，能体现民族文化和民族精神的音乐。而广义上，中国音乐是泛指世界上具有五声调式特征的音乐。
中国的民族音乐艺术是世界上非常具有特色的一种艺术形式。中华民族在几千年的文明中，创造了大量优秀的民族音乐文化，形成了有着深刻内涵和丰富内容的民族音乐体系。
这一体系在世界音乐中占有重要的地位。我们要认识中国音乐，不能仅仅会唱一些中**曲，听几段传统乐曲，还必须从民族的、历史的、地域的角度去考察中国音乐，了解中国音乐，从而真正理解中国音乐的内涵，了解它在世界音乐体系中的地位和历史价值。
中国民族音乐分为：民间歌曲、民间歌舞音乐、民间器乐、民间说唱音乐和民间戏曲音乐。
参考资料来源：百度百科：音乐
表现**音乐特征有哪些
表现**，以其极大的主观性着眼于人类精神与体验的直接表现。在抗衡着印象**客观性的同时，追求形式上的最大自由，打破旧有的传统观念的囿限，显示其表现**的最大自由，打破旧有的传统观念的囿限，显示其表现**的共性特征。
表现**音乐，是"新维也纳乐派"针对法国的印象乐派所强调的、对自然中的朦表胧光色、虚无缥缈事物的描写的尖锐反驳。他们主张艺术要表现人类的思想本质和心灵世界。正像勋伯格所说："艺术家为之奋斗的最伟大的目标只有一个，那就是表现他自己"，"我们的心灵才是客观世界的真实反映。"当他们用自己的心灵感受到德奥现实生活充斥着痛苦和罪角的时候，他们便用音乐去表现自己内心所感受到的那种压抑、孤寂、苦闷、绝望、**和疯狂的情感。
表现**音乐的最大特征，是无视传统，无视规则，不追求庞大、夸张，刻意追求精致、纯朴，抛弃印象派的玄妙模糊，力求于音乐表现的简洁、单纯、明快和热烈。
表现**的意义，以无调性为其基本成分。由于抛弃了主属音的传统观念，八度中的十二个音的价值得以相等，从而使传统的旋律概念、节奏、节拍的组织，曲式的结构，和声与对位的感觉皆面目全非。融入十分自由的形式中的若干独特音的连续，带来了流动的、甚为发展的奇妙特色。而小巧、精致的乐队编配，常具单纯、明快的色彩。
表现**音乐的代表人物和代表作
贝格作为表现**的代表作是两部歌剧《沃采克》、《露露》和《小提琴协奏曲》等。《沃采克》是根据19世纪德国作家G.毕希纳一部未完成的悲剧改编而成，内容描写军营里的理发师沃采克，为养活**和孩子，他以每天3分钱的廉价给医生作“实验的动物”,在他经受贫困与**的时候,玛丽却被军乐长诱骗失节,沃采克在失望与痛苦中将她**，自己投湖自尽。这部悲剧在一定程度上反映了德国封建社会的黑暗，对被侮辱被损害的人给予同情。但是，由于过分着笔于嫉妒、绝望、疯狂的心理刻画，也反映了表现**的病态和神经质的消极性。勋伯格、贝格等人的表现**在音乐思维上的进一步发展，就是在自由无调性音乐中寻找逻辑统一的基础。直觉和感性不能保证无调性音乐的连贯和统一，因而必须依靠理性的约束，这就出现了十二音音乐。勋伯格把音阶中十二个半音，分为若干个音列，每个音列的各个音既不重复又不因连续而产生功能和声感的音列（组）。这种以“音列”及其各种变形为基础的作曲技法，使作曲家能够在一个有限的范围内，充分发挥创造性，同时它也保证了无调性音乐作品（尤其是大型作品）的结构统一性。它也许是传统调性思维解体以后，所出现的最具有独特意义的一种音乐思维方式。勋伯格、贝格和韦贝恩都以各自的实践证明了这种思维在音乐中的可能性。
表现**文学的起源
表现**是二十世纪初至三十年代盛行于西方世界的一种文艺**。它首先出现在德国，盛行于奥地利，进而在瑞典、波兰、英、法、美等国广为流传。它起于绘画，后来在音乐、戏剧、小说、电影等整个文艺领域中获得发展。表现**文学是20世纪初期以德国为中心兴起的一场国际性文**动。表现**文学是表现**艺术在文学领域的体现，涉及到文学的各个领域，其中尤以戏剧和诗歌的成就最为突出。“表现**”一词源自拉丁文“expressus”，具有“抛掷出来”、“挤压出来”的意思。表现****最先出现在绘画界，其后波及文学界。“表现**”作为一个文学流派，最早确立于1913年。表现**一词，最初出现于1901年在法国巴黎举办的玛蒂斯的画展上，原是法国画家朱利安·奥古斯特·埃尔维一组油画的总标题。1911年，德国画家沃林格尔在《狂火飙》杂志上发表了一篇论文，首次借用了这个词来称呼析林的先锋派作家，1914年后，这一术语被人们普遍承认和采用。作为一种文艺**流派来说，表现**是一个反传统的现代**艺术流派。1905年末1906年初，在德累斯顿成立了第一个表现**的集团“桥社”；1911年，在慕尼黑成立了第二个表现**的集团“蓝骑士”（或译“青铜士”）社。第一次世界大战交锋，表现**风行德国。
现代音乐流派分类和代表曲
R&B - 节奏布鲁斯
Rhythm and blues 简称：R&B或RnB，**、港澳、马新作节奏蓝调,又称节奏怨曲。
是一种首先非裔美国人艺术家所演奏，并融合了爵士乐、福音音乐和布鲁斯音乐的音乐形式。
这个音乐术语由是美国告示牌（Billboard）于1940年代末所提出。
广义上， R&B可视为“黑人的流行音乐”，它源於黑人的 Blues音乐，是现今西行流行乐和摇滚乐的基础，
Billboard杂志曾介定 R&B为，所有黑人音乐除了 Jazz和 Blues之外，都可列作 R&B，可见 R&B的范围是多么的广泛。
近年黑人音乐圈大为盛行的 Hip Hop和 Rap都源於 R&B，并且同时保存着不少 R&B成分。
中国的rnb歌手:方大同，陶喆，曹格等, 外国的太多了 不再列举。
HOUSE- 浩室
HOUSE是於八十年代沿自 DISCO发展出来的跳舞音乐。这是芝加哥的DJ玩出的音乐。
他们将德国电子乐团Kraftwerk的一张唱片和电子鼓规律的节奏 及黑人蓝调歌声混音在一起,House就产生啦~
一般翻译为"浩室"舞曲,为电子舞曲最基本的型式,4/4拍的节奏, 一拍一个鼓声,配上简单的旋律,常有高亢的女声歌唱.
DISCO流行后，一些DJ将它改变，有心将DISCO变得较为不商业化,BASS和鼓变得更深沈,多时变成了纯音乐作品,
使有歌唱部分也多数是由跳**歌手唱的简短句子，往往没有明确歌词。
渐渐的，有人加入了LATIN(拉丁)、 REGGAE(瑞格源在西印度群岛)、 RAP(说唱)或 JAZZ(爵士)等元素，
至八十年代后期， HOUSE冲出**范围，成为芝加哥、纽约及伦敦流行榜的宠儿。
为什么会叫"House"呢?就是说只要你有简单的录音设备,在家里都做得出这种音乐~
House也是电子乐中 最容易被大家所接受的. .
BRIT-POP -英式摇滚 所谓"Britpop"，可以直接翻译成“英式摇滚”或“英伦摇滚”。
britpop作为一种音乐类型，自然难以被绝对化定义，所以以下定义都是相对而言。
典型的britpop由吉它，贝司，鼓组成。当中吉他是核心，通常以简单，略带**色彩的扫弦为主，其和弦走向亦主导全曲；
贝司负责低音部分的旋律，通常演奏和弦中的琶音；鼓多以中速演奏。
从内容上看，britpop主要以乐队形式出现。大多演唱同时代英国青年自己的生活,色彩多以黯淡，颓靡，桀骜为主，
也由此在短时期内迅速风靡英伦三岛。著名的britpop乐队有: sude,coldpaly,the stone roses …
NEW AGE
NEW AGE是种宁静、安逸、闲息的音乐，纯音乐作品占的比重较多，有歌唱的占较少。
NEW AGE可以是纯 ACOUSTIC（即以传统自发声乐器演奏）的，也可以是很电子化的，重点是营造出大自然平静的气氛或宇宙浩瀚的感觉，洗涤听者的心灵，令人心平气和。
NEW AGE很多时与音乐治疗有关,不少NEW AGE音乐说可以治病,也有不少与打坐冥想有关,这与 NEW AGE**哲学有莫大关系。
NEW AGE音乐通常被认为颇为中产阶级的音乐， WINDHAM HILL是最具代表性的 NEW AGE唱片公司。
NEW AGE代表乐手有:Enya(恩雅) Secret Garden (神秘园) Bandari (班德瑞) ENIGMA (英格玛) Kitaro (喜多郎)……
TRIP-HOP
Trip-Hop是英伦/欧洲跳舞音乐的一种，它的名字来源是“ Trip＋ Hip-Hop＝ Trip-Hop”因为它发源自英国的Bristol，
因此最早时称作“Bristol Hip-Hop”。
由于把Hip-Hop（其实很多音乐都是架构在Hip-Hop上的……不知啥是Hip-Hop的去看看跳街舞的人,多半是用Hip-Hop音乐来跳的。）节奏变慢（有时很慢很慢）加入一些**的味道，如很*沉，肥厚的Bass，
轻微但**的合成音效，或是些唱片的取样，有时可能连唱片的杂音都会被“故意”取样进去。
所谓“ Trip”，指**，所以， Trip-Hop是种慢板的**的、有 Jazz感觉的、迷糊的、带点 Hip-Hop节奏的 Break beat音乐。
它虽然隶属跳舞音乐类，但其**迷糊特色已令它跳一般跳舞音乐所有的明确节拍特色相去很远。
外国 Trip-Hop代表人物： Trip-Hop中公认的铁三角ortishead、 Tricky、 Massive Attack 、Mandalay Moloko 、Coldcut
BREAK BEAT
1. Break这个字最早是爵士乐的名词，指音乐主旋律暂时退下，只剩鼓和贝斯作些变化较大的节奏转折，然后进入下一段，
简单地说，其实它的意思很接近玩音乐的人都知道的名词：「过门」。
2. 在70年代末，纽约贫民区的小孩喜欢在迪斯可舞会里耍酷，简单的迪斯科节奏不想跳，要等到舞曲出现一小段节奏激烈的过门时，才冲上前来一段像特技的舞步，这种舞步也就是后来的「霹雳舞」（break dance）。
3. 然后嘻哈始祖之一的DJ Kool Herc灵机一动，你们爱break，我就给你breaks。他在贫民区街头舞会里，利用接歌串拍的技术，用两张唱片连续串接，只放breaks的部份，让b-boys、b-girls（霹雳男孩、霹雳女孩）跳到爽。这种接歌技术也成为hip-hop DJ的基本技术之一。
4. 在电音时代呢，所谓breakbeat其实就是用取样机sample现成乐曲的过门桥段，加快速度，凑成一首舞曲，在浩室舞会里播放。
后来碎拍的节奏形式也差不多定形了，电子乐手直接用电子鼓机打出碎拍节奏，不见得要用sample。
也就是说，「碎拍」的基础来自于hip hop和house。
而碎拍本身也是之后的hardcore（电音的hardcore，和庞克或嘻哈的hardcore不同意思）与jungle、drum n’ bass、big beat
的基础。
从某方面来说，jungle、drum n’ bass是速度加快的breakbeat，big beat 是摇滚味比较重也比较吵的breakbeat 。
至于为什麽很多breakbeat的解释都要扯到funk？我猜是因为funk的过门比其他音乐精采，
作hip hop DJ 和 breakbeat的乐手常从老funk唱片偷过门乐句，因此就有「breakbeat源自funk」的说法了。
东南亚的舞厅不太流行breakbeat，但在北美洲，breakbeat 却是电音舞会很受欢迎的风格。
Break beat不像House的拍子Boom-Boom-Boom-Boom那么规律，而是以破碎的节拍呈现，像是切分拍。
如在两拍中加入小碎鼓，等等，
Breakbeat只是一个总称而已，有很多种音乐都属Breakbeat，如以下的Brit-Hop、Big-Beat、和黑人的Hip-Hop便是一种 。
FOLK 民歌
原本是指每个民族的传统歌曲，每个民族的先民都有他们自原始 /古代已有的歌曲，这些歌绝大部分都不知道谁是作者，
而以口头传播，一传十十传百，一代传一代的传下去至今。
不过今天我们所说的民歌，大都是指流行曲年代的民歌 也成民谣，所指的是主要以木吉他为伴奏乐器，以自然坦率方式歌唱，唱出大家纯朴生活感受的那种歌曲。
美国民歌手 WOODY GUTHRIE在五十年代的唱片可说是最早的民歌唱片录音，所以普遍被认定是现代民歌的祖师。
民歌在英国、香港等乐坛也发展出不同的面貌。
民歌 (FOLK近年较新的发展是与 NEW AGE结合 (如 Enya)及 TRIP HOP结合(如 BETH ORTON)。
CLASSICAL POP
是指带古典响乐味道的流行曲，多用弦乐伴奏的歌曲都可列入此类，例如 THE BEATLES的“ELEANORRIGBY”就是。
澳洲乐队 CROWDED HOUSE的一些作品也可列入此类。
如果说 CLASSIC POP，则是指经典的流行曲。
ACAPPELLA
是指没有乐器伴奏的歌曲，但凡纯以人声唱的歌都是 ACAPPELLA，
不过今天我们说 ACAPPELLA通常是指有多重和唱的那种唱法，连乐器伴奏都由人声唱出。
ACAPPELLA的相反是 INSTRUMENTAL，即纯音乐乐曲，任何类型的歌曲都可以以 ACAPPELLA形式唱出。
香港人最熟悉的 ACAPPELLA歌曲是“SO MUCH IN LOVE”，香港 ACAPPELLA乐队有姬声雅士等。
Instrumental
就是配乐的意思 也就是伴奏日本会出很多单曲，而每一张专辑里的4－5首歌都会以单曲的形式率先推出，
基本上买单曲的人都会听过一个歌手专辑里比较好听的歌，因为日本大多数以单曲形式出现所以才赠送instumental。
WORLD MUSIC -新世纪音乐
WORLD MUSIC是西方角度观点的词汇，意思指非英、美及西方民歌/流行曲的音乐，
通常指发展中地区或落後地区的传统音乐，例如非洲及南亚洲地区的音乐，有些地区如拉丁美洲的音乐，则能普及到自成一种类型。
今天大家说的 WORLD MUSIC通常是指与西方音乐混和了风格的、改良了的传统地区音乐。
非洲的 KING SUNNY ADE，东欧的DON BYRON，中国的朱哲琴，
巴基斯坦的 NUSRAT FATEHALI KAHN等是西方乐迷较熟悉的 WORLD MUSIC乐手。
舞曲分类
Rap 舞曲
起源于60年代，BPM约在100-110拍，中文翻译成：“说唱、饶舌”。
Rap是流行于当时于黑人青年当中的音乐种类，它是一种很奇怪的音乐类型：
它以人声的吟唱来代替音乐中旋律的部分，加上鼓的清晰浓郁节奏；朗朗上口的通俗歌词，Rap一下子成为了年轻人的最爱。
Rap有一段时期只是黑人歌手的专长，但不久一些白人乐团也加入了Rap的行列当中。
Rap舞曲从60年代流行至今，令许多舞曲作品均整合进了一些Rap的元素。Rap的出现是非常了不起的。
Reggae
起源于60年代，BPM约在80-100拍。中文翻译成“雷鬼”.据考证Reggae舞曲的源头是牙买加，然后才渐渐的传到世界各地。
Reggae较注重音乐中鼓和人声的部份，Reggae和Funk一样有明显的节奏和固定的旋律线。
只是现代的Reggae混血了一些R&B和Hip-Hop的曲风。听Reggra有跳伦巴一样的起伏感，
不过还是可以从四四拍的轻重节拍(二四拍)中明显地体现Reggae热情及轻快的感觉，所以有人说Reggae是夏天的音乐。
Funk
起源于60年代，BPM约在120拍以下，中文翻译成：“放克音乐”。
Funk舞曲也是一种原属于黑人的音乐。Funk舞曲中电贝司占了很重的比例，电贝司的和弦和节奏成为了Funk的主干线。
Funk舞曲流行于70年代至80年代，由於和别的音乐融合，目前的Funk在速度及音乐构成上有了一些混血的变化。
由于Funk的音乐口味太过典型和浓重，目前还没有流行趋势，只有在少数音乐作品中出现。
Disco
出现在70年代，BPM约在120拍上下，中文翻译成“迪士高”。
Disco的风潮应归钱于电影的杰作：70年代的美国电影中大量使用了Disco舞曲，由于Disco舞曲本身节奏简单（4/4拍），
旋律积极向上易被人接受，再加上崇拜明星的作为，从而在全美国乃至全世界掀起一股Disco的风潮。
Disco不仅仅只是一种舞曲风格，它是当今崇尚时尚潮流的原起点。如果在当时没有Disco的话可能现在我们的生活还是黑白的。
中国人开始接受舞曲文化就是从Disco开始的，也正是这个原因，现在在我国很多地方依然将舞曲统称“迪士高”。
其实“迪士高”仅仅是舞曲发展的一小部分而已。
HIP-HOP
起源于80年代，BPM在90-110拍。
Hip-Hop前身是Rap和一点点的R&B，再加上各种磨片的音效声，属于80年**始年轻人爱玩的音乐。
Hip-Hop舞从字面上来看Hip是臀部，Hop是单脚跳，Hip-Hop则是轻扭摆臀。
Hip-Hop有Rap的饶舌和较R&B复杂的节奏以及电唱机的音效，另外在墙上涂鸦也是Hip-Hop文化的延伸。
随意又健康（不磕药）的party若有Hip-Hop助兴是很容易交上朋友的。
POP 舞曲
起源于80年代中期，BPM在100拍-130拍。
其实当前一些有别于经典曲风的舞曲以及较难区分的舞曲多可列入POP舞曲的范畴中来。
POP舞曲所指的是和流行音乐和舞曲节奏相融合的一种舞曲形式。
在当时DISCO盛行的情况下，有些和当时乐坛流行的曲风结合的舞曲开始受到青年人的欢迎，再加上MTV这种新的音乐包装形式的出现，这类舞曲即通过由当时当红的明星借助电影、电视及其新兴的MTV传播开来，形成了所谓的POP舞曲。
POP舞曲象早期的玛当娜、迈可.杰克逊及目前当红的辣妹、后街男孩均有出品。
R&B 舞曲
BPM约在80至100拍，中文翻译成：“节奏布鲁斯或节奏蓝调”。
它原是一种在黑人生活圈中流行的音乐。最早R&B是Blues和Jazz的混合体，是从较慢的舞蹈转向节奏舞蹈的雏形音乐。
R&B重点体现了显著的节奏或节拍，另外它的旋律也交代的很清晰，往往听罢给人留下深刻印象。
由于人们优越的物质生活条件以及复古风潮的影响；目前R&B已成为流行乐坛的宠儿，
当然现代的R&B又混入了其他音乐的一些元素。
High Energy
DISCO的一个变种，保存了70年代中期曲风的根源，又融入了TECHNO的因素，
它的特点是：渲染的旋律、人声的掌控、快乐、让人HIGH的**及维持在118～140BPM Energy Alternative
无法对其进行简单的归类，其特点是：接受度高、利用大量的合成键盘声、渲染的唱腔，
成功地结合了HOUSE、ROCK、TECHNO的元素，节奏维持在100～140BPM
Deep House
HOUSE的一个分支，特点是意味深长的歌词、灵歌类的演唱和钢琴的套子。
Rave
通常指通宵不停的DISCO舞会，也是欧、美、日，甚至港台最时兴、最UNDERGROUND的一种青少年娱乐形式。
凡是在RAVE放的音乐皆可称为RAVE（不包括不理解RAVE意义的人所放的音乐）。
RAVE的音乐包括TECHNO、JUNGLE、TRANCE、DRUM&BASS、TRIP、DEEPHOUSE等等
Acid Juzz
融合了新旧典型的爵士乐风和演唱方式。是HIP-HOP节奏和现代科技的产物，其关键在于融合。
其特色是：现场乐器演奏的HIP-HOP和HOUSE节奏，柔和如丝的音乐处理方式，轻松流动的灵魂乐能量及维持在80～126BPM
Progressivg
此类音乐过度机械化以致于难以归类在一般性的HOUSE乐拍之下，但又不像TRANCE和TECHNO HOUSE的风格那么重和晦暗。
其特点是TRANCE风格的键盘和电子合成乐器的处理、HOUSE风格的唱腔、令人亢奋的电子中板的HOUSE节奏。
Pop Dance
很简单，就是可以跳舞的情歌，有动听的旋律和易记的歌词，也有很多人把纯的POP加上打击乐改成POPDANCE，
这也是在中国**最受欢迎的一种舞曲形式。
新古典**音乐有什么特点？
20世纪初由法国作曲家萨蒂(1866~1925年)、意大利作曲家布梭尼(1866~1924年)等人创建的乐派。**人斯特拉文斯基(1882~1971年)创作的《钢琴与管乐协奏曲》(1924年)将巴罗克风格与新颖的音响相结合，成为新古典**的代表作。他们反对浪漫**和印象**、提倡简朴的音乐风格，认为音乐应回到“古典”中去，回到“离**更远的时代”。