今天装修百科网给各位分享专业音乐欣赏方式有哪些的知识，其中也会对欣赏外国古典音乐的方法有哪些？(《如何欣赏古典音乐》)进行解释，如果能碰巧解决你现在面临的问题，别忘了关注本站，现在我们开始吧！

欣赏外国古典音乐的方法有哪些？

外国古典音乐是依靠音乐形象来感染听众，以音乐的语言和意境给听众留下思索和回味的余地。

要想听懂古典音乐，应该循序渐进，首先要听那些描绘对象十分具体的作品，如管弦乐狂想曲《动物联欢节》，是描写狮子、鸽子、袋鼠等动物的千姿百态，听后如闻其声。其次，要读一些音乐家的传记作品，了解一下他们的生活经历、思想感情和性格气质。作曲家总是通过自己的作品向听众倾诉衷肠的。如贝多芬的《第五交响乐》（《命运交响曲》）是举世闻名的。第一乐章的“动机”，象征着“命运在敲门”。究竟命运给贝多芬带来了什么，贝多芬又是怎样对待命运的挑战的？第二乐章：主人公在思考，他反省了自己的弱点，增强了胜利的信念，准备再一次和命运搏斗。第三乐章：黑暗势力在咄咄逼人，要求自由的人们，在艰难时刻，要坚持住啊！第四乐章：光明终于战胜了黑暗，光荣属于敢于反抗的英雄，胜利的凯歌响彻云霄。这样，你就会不由自主地调动起情感，与音乐产生共鸣。其三，选择作品可以由浅入深，先听短小的，再听大部头的；先听那些内容好捉摸的，如穆索尔斯基的《荒山之夜》、里姆斯基·柯萨柯夫的《天方夜谭》，再听无标题的、抽象一些的作品；先听舞曲、序曲、交响曲，再听协奏曲、奏鸣曲等。

音乐是表达人心情的，只有理解了作者的心情才能真正地欣赏音乐。

贝多芬的第九交响曲也就是《欢乐颂》，是贝多芬在艺术上的一个大胆地尝试，他把合唱与交响曲融合成一体。乐曲中充满了庄严与喜悦之情。

如何发扬普通高校学生的优势,享受音乐赏析课

我国普通高校音乐教育起步较晚,现阶段普通高校音乐欣赏课在教材建设与选用、教学形式和教学方法的改革、课程评价机制的构建、师资素质的提升上都存在一些问题，对这些问题进行探讨和研究具有深刻的现实意义。
　　　　
　　音乐欣赏课作为大学文化素质教育中的一个重要组成部分，具有普遍性和易操作性，是普通高校实施音乐教育的最佳方式之一。普通高校音乐教育培养目标不同于专业音乐教育。它的主要任务是,通过艺术课程和开展丰富多彩的课外文化艺术活动, 培养和提高学生的审美能力和文化素养。而且教育对象与大学的其他主体专业不同，主要有选修课学生、艺术特长生、函授生三个层次之分，音乐基础参差不齐，学科背景也各异。培养目标的特殊性和教育对象的层次性，决定了音乐欣赏课程需要有一个合理的定位和规划。目前，该课程在教材、教学形式和教学方法、课程评价机制、师资素质的提升上仍存在一些有待探讨的问题。
　　
　　一、教材选用和教学内容的优化
　　
　
　　（一）应择优选用教材
　　为确保教材质量，选用全国高校通用和公认的优质教材尤为重要。比如，教育部评选的全国普通高校优秀教材、面向21世纪课程教材、列入“普通高等教育教材建设和改革计划”的规划教材或重点教材、教育部推荐教材、获省部级以上奖励的教材、近三年新出版且同行公认的优秀教材等。音乐欣赏课的教材应主要从上述几类教材中择优选用，任课教师要严把教材质量关。
　　（二）应研究和处理教材
　　教材作为实施课程的依据和载体，是最基本的素材性课程资源。其开发和利用的重点就在于研究和处理教材。目前大学音乐欣赏教材在内容上普遍缺少多学科渗透、时代感不强、知识的连续性和系统性不够等方面的不足。对所选教材作进一步的研究，根据实际教学的需要，在教学内容上进行一定的拓展、更新，打破教材的局限性，弥补教材的不足，是很有必要的。
　　　二、教学形式和教学方法的改革
　　教学形式和教学方法的改革，不能一味地否定传统，而应该在适当保留并完善传统的基础上，努力探索由知识传授型向多元立体化的转变，实现融技能、鉴赏、现场展示相结合的多元立体教学。对较高水平的学生，还可展开研究性教学，为学生自主发展和综合素质提高创造条件。
　　（一）综合教学形式，优化课堂教学
　　在音乐教育史上产生重大影响的许多教学法均注重教学形式的综合。如奥尔夫教学法注重音乐与舞蹈、动作、语言的综合；达尔克罗兹教学法注重每门课程本身不同形式的综合。到了本世纪初，综合性教学方式更为普遍。如德国黑森州小学音乐教学大纲中就专门提出：除聆听和表演音乐以外，与音乐打交道的方式还有以下几种：1.在图画中和用图画与音乐打交道（通过画画表达自己的想象，接受所听的音乐形象化的联想，用图画将音乐的结构和元素表现出来）；2.在身体律动中和用身体律动与音乐打交道（律动游戏、情节表演、哑剧表演、舞蹈等）；3.在语言中和用语言与音乐打交道（讨论音乐、写诗文说明音乐、将音乐转化为语言、将语言转化为文字等）。Jerome J Hausman在他的《Arts and the Schools 》中谈到：“就像语言教学能把听、说、读、写综合起来一样，艺术教学也可以把视觉艺术、听觉艺术、触觉艺术等融为一体。”教学形式的综合，能调动学生的多种认知渠道，发掘学生各种潜能，大大提高学生的学习兴趣。
　　（二）立足传统，向现代迈进
　　现代教育技术的飞速发展和网络技术的广泛应用，使课程与教材的内涵和外延发生着巨大的变化，人类理解、接受知识的模式，学习的途径和方法也都发生了巨大的改变。在传统施教方法中，知识的传授注重循序渐进，这是传统教学方法的优越性，同时也是其局限性，音乐教师应站在素质教育的高度，来看待大学音乐欣赏教学的问题。音乐欣赏课既要丰富学生的知识,更要引导学生把握学科的思维方法和研究方法，要留给学生需要的思维空间。除了教学过程中利用多媒体进行各种音像、图画、文字等文件辅助教学活动外，教师还应多以小论文的形式布置作业, 指导学生到图书馆、internet 上去收集相关资料,然后回到课堂上来讨论；或是利用校园网络中教师的网站为学生进行课后的知识巩固、延伸和拓展。培养他们**性、创造性思维以及运用掌握的信息来解决问题的能力。
　　（三）扩大对外交流，追求教学实效
　　普通高校音乐欣赏课与其他公共艺术课之间的交流不深入，与学校其他主体专业之间的交流不充分，校际之间的交流不频繁，与国内社会文化及国际间的交流更为稀少，在对外交流上突显出相对的自闭性。这既不利于音乐艺术教育自身的活水流动，不利于服务社会，也不利于学校的整体发展。音乐艺术教育处于校园文化乃至社会文化的前沿，普通高校音乐欣赏课应积极开展与其之外领域的交流与合作，增强课程间的联系和综合，不断吸纳音乐艺术的最新成果，吸纳普通高校自然学科、人文学科以及音乐专业院校在教学思路、教学方法上的先进成果和经验，才能源源不断向学生、向社会传递和渗透它的精神、思想。在这种吐纳的过程中，音乐艺术作品的创造和教育与其对象之间才能形成双向回流。
　　（四）有别施教的两面性
　　在中国高等教育的发展中，高校教学管理的制度化、标准化，应该说在建立科学、先进的管理模式等方面取得很大成就，但同时也带来了一些负面的影响。比如，教学安排太强调规范性，不区分知识背景结构，不区分学科，不区分新、老教师的差异，同样的要求，同样的标准。一些不必要的条条框框束缚了教师们的创造力，影响了他们的积极性。我们提得较多的是对学生的因材施教，要求针对学生的不同特点实施有针对性的教学。但教学环节中的差异性和可塑性不仅仅表现在学生方面，针对各具特点的教师，是否也该有别施教呢？例如，知识背景深厚的教师可以以培养学生理性、逻辑和研究能力入手，开展研究型教学；操作、组织能力较强的教师则可开展实验型教学，培养学生形象、整体、操作技能等。教师应承认差异、扬长避短，在统一性、规范性下寻找多样性。
　　
　　三、量化评价指标和多元化的评价形式
　　
　　由于音乐教育观念、教育目标的转变都会影响对教学的评价, 同时恰当的教学评价会对课程建设、对教育观念转变起到促进作用。根据目前对普通音乐教育“建立评价指标多元、评价形式多样, 既关注结果, 更重视过程的评价体系”的趋势,在动态的教学过程中应努力探索、完善课程评价机制，促进学生的发展，提高教师的教学水平。
　　（一）量化教学方法评价指标体系
　　教学质量评价标准中，教学方法评价指标模糊，在注重教学方法的改革与发展方面明显力度不够。评价中，仍主要看板书是否工整，层次是否清晰等；对是否融汇学科前沿知识、引入自己的科研成果，具体方法的多样化、个性化等方面多为空白。笔者认为，很有必要量化教学方法评价标准，增加教学方法评价标准的确定性、可操作性，能使教学评价体系朝立体化、制度化、标准化发展的同时，各个层次评价体系的构建更为完备，之间的发展更为均衡。
　　（二）建立全面的音乐艺术教育的考核、评价系统
　　建立全面的音乐艺术教育的考核、评价系统，从教学工作量、对学生艺术团体的指导、参与学校及社会艺术实践活动、学生学习成果、学术研究水平等方面设立相应指标，考核评价普通高校音乐艺术教师业绩，旨在调动其由狭隘的专业教育向综合素质教育转变中的积极性，发挥主导作用。
　　（三）评价形式多元性和组合的多样性
　　音乐审美感受力评价和理论知识评价相结合,在对其感受能力评价的基础上，可采取口头分析、写小论文等形式来促进理论分析能力的提高。
　　形成性评价和终结性评价相结合，注重学习过程和学习态度的考察，促进学习积极性的发挥。可采用课堂问答、讨论，学习调查问卷、单元作业、课程论文、笔试等方式反馈学习效果，进行形成性评价和终结性评价。既了解学生在学习过程中的学习态度和学习方法，又关注学生学习目标完成的质量和程度，以量化评价和质性评价相结合的方式对学生做出整体性的学习评价。
　　
　　四、全面提升师资素养
　　
　　“兵马未动，粮草先行”，如果教师业务精良且颇具开拓创新精神，培养出合格、优秀的人才就具备了重要前提和必要的条件，教育事业持续健康发展才有充分的保障。
　　（一）提高学历层次和业务素质
　　面对学科背景各异的教学对象, 综合性大学音乐欣赏课要求音乐教师不仅要有扎实的专业知识和业务能力, 自身在历史、天文、地理、绘画、建筑等方面的文化底蕴也极为重要。因此，教师要有探索意识和学习能力，不断提高学历层次、拓宽知识结构。同时，通过进修、访学等多种方式勤奋钻研音乐表演技艺，积累丰富的演唱、演奏曲目。积极拓展各种渠道，为提升专业业务素质、艺术能力、表演能力和教学技能创造条件。
　　（二）科研教学相长和加强学术交流
　　科研要联系教学、服务教学、促进教学；教学亦激发科研、激发创造，教学科研互补、教学科研相长。同时，应加强学术交流，扩展视野，了解本领域最新学术动态，有利于在前沿领域开发新的研究课题。
　　（三）充分发挥信息技术和教育技术的最大优势
　　虽然近几年电化教学已有很大发展，多媒体教室的设备也越来越先进、齐全，但没有现代教学理念，光靠改善硬件条件根本无法取得应有的教学效果。信息技术在教学过程中应用的立足点是，“促进信息技术与学科课程的整合，逐步实现教学内容的呈现方式、学生的学习方式、教师的教学方式和师生互动方式的变革”；“充分发挥信息技术的优势，为学生的学习和发展提供丰富多彩的教学环境和有利的学习工具。”①我们应该认识到现代信息技术的巨大作用，又要看到它的本质。音乐教师不仅要熟练掌握多媒体技术，更重要的是要探索信息技术与音乐教学的结合点，应具备充分开发和利用网络资源，多层面拓宽、挖掘音乐欣赏教学深度的能力。只有根据课堂需要，制定出合理的教学设计，才能充分发挥信息技术的最大优势。
　　
　　结语
　　
　　音乐欣赏教育不仅是普通高校实施音乐教育的最佳方式之一，更是传承人类文化艺术结晶的最佳途径之一。音乐教育本身的多样性和丰富性具有其他学科教育所不能比拟的特点，如何充分发挥音乐在培养大学生全面发展中的功能, 掌握时代的脉搏，关注社会变革，深化教学改革，提高教学质量，是音乐教育工作者需要长期探讨的课题。
　　

怎样欣赏音乐?请你为大家提供四种以上的方法

这个基本有定论，科普兰有关于欣赏音乐的精辟论述，一般世界上都接受他的观点，大致是这个意思： 艾伦·科普兰把倾听音乐分为三个阶段： 1、美感阶段； 2、表达阶段； 3、纯音乐阶段。 1、倾听音乐的最简单的方法就是纯粹为了对音响的乐趣而倾听，这就是美感阶段。 在这个阶段听音乐，不需要任何方式的思考，我们在干别的事情时，把收音机打开，便心不在焉地沉浸在音响中了。这时单凭音乐的感染力就可以把我们带到一种无意识的然而又是有魅力的心境中去了。 你此刻可能正坐在屋里看这本书。设想钢琴上奏出了一个音，这个音是足可以立即改变房间的气氛，证明音乐的音响成分是一种强大的和神秘的力量，谁嘲笑或小看这点，谁就会显得很愚蠢。 令人惊讶的是，不少自从为是合格的音乐爱好者在这个阶段养成了**的听音乐的习惯。他们去听音乐会是为了忘掉自己，把音乐作为一种安慰或解脱。他们进入了一个理想世界，在这个理想世界中人们无需思考日常生活中的现实。当然他们也没有思考音乐。音乐允许他们离开了音乐，把他们带到了一个幻想的境界，这种幻想是由音乐引起的，是关于音乐的，可是他们又不怎么倾听音乐。 是的，音乐音响的感染力是一种强大的和原始的力量，但你不应让它在你的兴趣中占据不恰当的位置，美感阶段在音乐中占有非常重要的位置，但这并不是全部问题的所在。 关于美感阶段无需扯得太远。音乐的感染力对每个正常的人来说都是不言而喻的。然而还存在着对不同作曲家使用的不同音响素材更为敏感的问题。因为并不是所有的作曲家都用同一种方法使用音响素材的。不要以为音乐的价值相当于它诉诸美感的程度，也不要以为最好听的音乐是由最伟大的作曲家写的。如果确实如此的话，拉威尔就应该是比贝多芬更伟大的创作家了。问题在于作曲家使用音响要素的方式因人而异，他对音响的使用方式形成了他的风格的一个组成部分，这一点在聆听音乐时是必须加以考虑的。所以，读者可以看到，即使在聆听音乐的这个初级阶段，也值得采取更有意识的聆听方式。 2、倾听音乐的第二个阶段是表达阶段。 我自己认为，所有的音乐都有表达能力，有的强一些，有的弱一些，所有的音符后面都具有某种涵义，而这种涵义毕竟构成了作品的内容。全部问题可以用下面的问答式简单地加以说明：“音乐有涵义吗？”我的回答是：“有的”。“你能用言语把这种涵义说清楚吗？”我的回答是：“不能”。这就是症结所在。 在不同的时刻，音乐表达了安详或洋溢的情感、懊悔或胜利、愤怒或喜悦的情绪。它以无数细微的差别和变化表达其中的每一种情绪以及许多别的情绪，它甚至可以表达一种任何语言中都找不到适当的言词的涵义。在这种情况下，音乐家喜欢说音乐只有纯音乐的涵义。他们有时甚至更进一步说所有的音乐都只有纯音乐的涵义。他们的真正的意思是说，找不到恰当的言词来表达音乐的涵义，并且即使能够找到，也没有必要去找。 不过不管专业音乐工作者怎么讲，大多数初学音乐的人还是要制订明确的言词来说明他们对音乐的反应。因此他仍总是觉得“理解”柴科夫斯基要比“理解”贝多芬容易些。首先，为柴科夫斯基的一首乐曲制订内容明确的涵义要比为贝多芬的这样做容易些，容易得多。尤其是，就这位**作曲家来说，每当你回到他的一首乐曲上去的时候，它几乎总是向你述说着同一件事情；而你要想说清贝多芬在讲什么却经常是很困难的。任何音乐家都会告诉你，这就是为什么说贝多芬是更伟大的作曲家的缘故。因为每次都向你述说同样内情的乐曲很快会变成枯燥的乐曲；而每听一次都能有细微不同涵义的乐曲则具有更强的生命力。 如果可能的话，你不妨听一下**《平均律钢琴曲集》中的四十八个赋格主题。一个主题接一个主题地听。很快你就会意识到每一个主题都反映着一种不同的情绪。你还会很快地意识到，主题愈是动听，就愈难找到能使你完全满意的言词来描述它。是的，你当然知道它是快活的还是悲哀的。换言之，围绕着这个主题可以在自己的头脑中构成一幅感情的框框。现在进一步研究一下悲哀的主题，尽力抓住它的确切的悲哀的性质。是悲观**的悲哀还是听天由命的悲哀；是致命的悲哀还是带微笑的悲哀？ 让我们假定你现在很幸运，你能用许多话把自己选择的主题的确切涵义描述得使自己满意，但是这并不保证使别人满意，别人也不必要满意。重要的是每个人都能使自己感觉到一个主题或整首乐曲所表达的特性。如果那是一首艺术巨作，每当你再听它的时候，本要期望它都意味着完全相同的事物。 当然，主题或乐曲不必只表现一种情绪。以《第九交响曲》的第一主要主题为例，很明显，它是由不同的成分构成的，叙述的也不只是一件事。然而不管是谁听它 , 都会马上有一种力量的感觉 , 一种有力的感觉。这种感觉并不单纯出于演奏的强大音响。这是主题本身所固有的力量。这主题的非凡的力量和活力给听众的印象好像是发生了一项强有力的声明。不过决不要试图把它归结为“致命的生命之锤”，等等。这就是麻烦开始的地方。音乐家在激怒中说音乐除了音符本身之外什么也不是，而非专业音乐工作者则过分焦急地渴望着任何可以使自己更接近于这首乐曲的涵义的解释。 3、倾听音乐的第三阶段是纯音乐的阶段。 当一个人在街上稍微注意地聆听“音符”时，他很可能会提到这支旋律。他听到的是一支美妙的旋律，或者不是，一般地说，他就不再去想它了。其次他注意到的很可能是节奏，特别是如果这种节奏令人兴奋的话。而和声与音色常常被认为是理所当然的，如果想到它们的话。至于这音乐是否有某种明确的形式，他好像从来没有考虑过。 我们大家都应当更多地在纯音乐阶段感受音乐，这一点非常重要。毕竟，人们使用的是实际的音乐素材。明智的聆听者必须准备加强自己对音乐素材及其发展情况的意识。他必须更有意识地聆听旋律、节奏、和声及音色。尤其重要的是，为了追随作曲家的思路，必须懂得一些音乐曲式的原理。聆听这一切要素就是在纯音乐的阶段欣赏音乐。 让我再重复一遍，我们是为了听得更清楚才把聆听音乐机械地分成三种不同的阶段的。实际上，我们从来不单独在一个阶段上聆听音乐。我们所做的是使各个阶段相互联系——同时以三种方式聆听。这不需要思考，凭直觉就会这样做的。 与我们坐在剧院里看到的情况相比较，也许会搞清楚这种直觉的相互联系。在剧院里，你会注意到那些男女演员、服装和道具、音响和动作。这一切都会使人感到剧院是个令人愉快的地方，并构成我们对剧院的反应中的美感阶段。 从你对舞台上发生的事情的感觉中可以得出在剧院中的表达阶段，你被感动得产生怜悯，兴奋或快活的情绪，这种台词之外的、舞台上的某种令人激动的东西所产生的总的感情，与在音乐中的表情的性质是相类似的。 剧情与剧情的发展相当于我们所说的纯音乐阶段。剧作家在塑造和发展角色方面与作曲家在创作和发展一个主题方面所采用的手法完全相同。你将根据你对这两种艺术家在处理素材的手法方面的认识程度成为一个更明智的聆听者。 可以明显地看出，常去剧院的人从来不会分别地意识到这些要素，他同时意识到各个方面。这个道理也适于聆听音乐。我们同时地、不加思考地在这三个阶段上聆听。 从某种意义上说，理想的聆听者是同时既能进入音乐又能超脱音乐的，他一方面品评音乐，一方面欣赏音乐，希望音乐向这一方面进行，又注视着音乐向另一方向进行——就像作曲家在创作音乐时那样；因为作曲家为了谱写自己的乐曲，也必须进出于自己的乐曲，时而为它所陶醉，时而又能对它进行冷静的批评。在创作和欣赏音乐时要同时具有主观的和客观的态度。 所以，应当更积极地去聆听。不管听的是莫扎特的还是埃林顿公爵的作品，只有当成为更自觉的、更有意识的聆听者——不仅在听，而且在听某些事物的时候——才能加深对音乐的理解。 不抄了，否则恐怕要追究我的侵权了，楼主搜索一下科普兰和黄自的名字，有很详细的表述的。

如何欣赏音乐？

如何欣赏音乐如下：个人拙见音乐是外界与心灵交汇所表现出来的一种形式，但不是唯一的形式，好的音乐可以打动人心，撼动心灵，使人陶醉其中。音乐，可以用“清脆”一词来形容，在日常我们所听到的曲之中多为轻快型，用清脆一词恰好与其相符合。也可以用婉转悠扬"来形容，以情为引而谱曲，最能打动人心，当以思情、爱情、亲情为引，自然所谱写出的曲风曲调比较婉转悠扬。

音乐欣赏的基本方式是下面哪一项

　　简介欣赏音乐是一种审美活动，音乐欣赏可以分为不同的三个层次。

　　一般地说，人们在欣赏音乐的实践中往往要经历三个不同的层次。

　　我们将欣赏音乐分为3个阶段：**的欣赏、感情的欣赏和理智的欣赏。

　　**的欣赏主要满足于悦耳即好听，是比较肤浅的欣赏。那么，要对一个音乐作品进行全面的领略，从而获得完美的艺术享受，除了**的欣赏外，还必须进入感情的欣赏和理智的欣赏。

《怎样欣赏音乐》 音乐的四种要素——节奏

音乐有四种基本要素：节奏、旋律、和声及音色。这四种成分是作曲家的素材。作曲家对这些素材的使用正像其它工匠使用自己的材料一样。在外行的聆听者看来，这些素材的价值是有限的，因为他很少有意识地区别倾听其中的某一种。在大多数情况下，听众关心的只是这些成分的综合效果——它们所形成的似乎解不开的音响网。
然而，外行又会发现，如果不在一定程度上对错综的节奏、旋律、和声及音色加以认真研究，要想对音乐内容得出一个比较完整的概念，几乎是不可能的。只有极为深入地掌握这门艺术的技巧才有可能全面理解各种要素。这样一本书只能涉及有关协助聆听者更确切地掌握总的效果的问题。如果读者想更正确地了解现代音乐与过去的音乐的关系，就需要掌握一些有关这些要素的历史发展的知识。
大多数历史学家认为，如果说音乐有个起源，那就起源于节奏的敲击。纯粹的节奏对我们所产生的效果是如此直接，使我们直接的感到它是音乐的最初的起源。如果我们对自己在这方面的直觉有所怀疑，我们可以用野蛮部落的音乐进行验证。今天像过去一样，这些部落的音乐差不多全是由节奏构成的。并且通常是由十分复杂的节奏构成的。如果需要证明的话，不仅音乐本身，而且某种作品形式与某种节奏形式的密切关系，以及形体动作与基本节奏的自然联系，都进一步说明节奏使音乐的第一要素。
人类经过数千年才学会记录自己所演奏的节奏，后来又记录所演唱的歌曲节奏。迄今，节奏的记谱法仍远非完善，因为我们仍无法记下诸如每个有才华的艺术家在表演时凭直觉加上的那种细微的差别。不过我们的记谱法及其将节奏按小节线划分的规律适合于大多数情况。
最初记下的音乐节奏，并不像现在这样分成均匀的拍子单位。直到大约1150年，当时称为“按小节划分的音乐”才逐渐被介绍到西方文化中来。对这种**性的变化，人们有两种截然不同的看法，因为它对音乐既起了促进作用，又起了限制作用。
在那以前，有记载的音乐大部分是声乐，声乐总是像前辈的侍女那样伴随着散文或诗歌。从希腊时代到格利高里圣咏①的全盛时期，音乐的节奏像朗诵散文或诗歌一样是一种自然的、不受束缚的节奏。当时直至今日，还没有人能够把这种节奏准确地记录下来。莫里哀喜剧中的主角茹尔丹先生如果知道自己不但是在朗诵散文，而且他这种散文的节奏竟微妙到无法用任何方式记录下来，他会加倍地惊讶的。（未完待续）
①六世纪末罗马主教格列高里一世所搜集和整理的天主教堂礼拜音乐，其中主要包括弥撒曲和祈祷曲。

音乐欣赏的基本方式有哪些

纯音乐式和综合体验式
侧重作品式和侧重表演式
**式与背景式
比较提倡综合体验式的音乐欣赏方式，但并不反对其他音乐方式